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DARK WATERS : rencontre avec le réalisateur Todd Haynes

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Spectateurs

A l’occasion de la sortie du film Dark Waters, nous avons rencontré le réalisateur Todd Haynes.

Synopsis : Robert Bilott est un avocat spécialisé dans la défense des industries chimiques. Interpellé par un paysan, voisin de sa grand-mère, il va découvrir que la campagne idyllique de son enfance est empoisonnée par une usine du puissant groupe chimique DuPont, premier employeur de la région. Afin de faire éclater la vérité sur la pollution mortelle due aux rejets toxiques de l’usine, il va risquer sa carrière, sa famille, et même sa propre vie…

ACTUELLEMENT AU CINÉMA

 

L’histoire de Dark Waters se passe sur une période de 15 ans, qu’est-ce que cela comportait comme challenges et difficultés de mise en scène ?

Todd Haynes : Le premier challenge était au niveau du scénario. Comment garder le spectateur concerné par quelque chose d’une telle durée et d’une telle complexité ? Et puis comment montrer à quel point le travail a été laborieux pour Rob Bilott (incarné par Mark Ruffalo – ndlr) en terme de recherches, pour collecter tous les documents nécessaires, pour comprendre ce qu’il s’était passé et établir une stratégie juridique ? Il a fallu travailler avec des éléments qui  n’étaient potentiellement pas vraiment dramatiques ou engageants en terme d’émotion. Je crois donc que c’était ça le premier challenge. Ensuite, venait la question de comment tourner un film qui se déroule sur une période spécifique, où l’on devait ressentir une progression dans le temps qui passe. C’est notamment pour ça qu’on a utilisé des intertitres, ils aident à marquer précisément ce temps qui passe. Mais il y a d’autres éléments qui aident le spectateur à suivre cette progression, comme les enfants qui grandissent ou les coupes de cheveux de Sarah Bilott (la femme de Rob, jouée par Anne Hathaway – ndlr). Nous avions trois perruques pour chaque époque. Les vêtements de Rob changent assez peu, il s’habille toujours de la même manière, mais ses cheveux grisonnent avec les années. Il arrivait que l’on doive changer les coiffures plusieurs fois par jour selon les périodes que l’on tournait. Mais sinon, combinée à cette sensation de progression dans le temps, je pense vraiment qu’il y avait aussi cette idée que c’est un monde qui partage une même contamination, et donc la palette de couleurs, ainsi que l’aspect et le ressenti du film, traversent les frontières et les époques. Que l’on soit en ville ou ailleurs, quelle que soit la saison, il y a toujours cette sorte d’obscurité, de morosité dans le film.

Vous évoquiez la couleur du film, on sent un travail particulier sur ce point. On est dans des teintes très « gris-bleu ». Vos précédents films, comme Carol ou Le Musée des Merveilles, étaient plutôt coloré eux…

Todd Haynes : Oui c’est très pollué, très contaminé. C’était une volonté dès le début, nous avions établi une palette esthétique… C’est drôle parce que même si mes autres films sont colorés, Edward Lachman (Directeur de la photo – ndlr) et moi-même, nous décrivons souvent la palette de couleurs de nos films comme étant « sale », même pour un film comme Carol . Mis à part Loin du Paradis, le premier film pour lequel nous avons travaillé ensemble et qui était un hommage aux films en Technicolor des années 1950 de Douglas Sirk. Mais en d’autres termes, nous aimons quand les couleurs chaudes et les couleurs froides entrent en collision et créent quelque chose de trouble, d’un peu « sale ». Pour nous, c’est magnifique, ce n’est pas totalement chaud ou froid, plutôt quelque chose entre les deux. Ça décrit un état émotionnel plus nuancé, plus ambivalent. Mais dans ce film, c’est vrai que nous sommes allés davantage vers une image plus bleue en général.

Cela ressemble aux films des années 1970, comme la « trilogie paranoïaque » d’Alan J. Pakula, où il y avait ce type d’images très sombre…

Todd Haynes : Oui tout à fait. Dans ces films, le sens de l’espace intérieur était très important. On se souvient tous des décors et des murs entre lesquels les personnages de ces films se trouvaient, on s’en souvient presque autant que les personnages eux-mêmes. Le parking souterrain dans Les hommes du président, ou ce hall d’entrée glacial dans Révélations de Michael Mann. Les espaces intérieurs sont aussi importants parce que ces gens qui se soulèvent contre des organisations de pouvoir sont isolés du monde, et c’est comme si les murs se refermaient sur eux. Plus l’histoire devient grande, plus leur monde devient petit, moins ils ont de mobilité, et vous ressentez ce manque d’espace, qu’ils ressentent eux-mêmes.

Pourquoi avoir voulu faire ce film et choisi de raconter une histoire vraie ?

Todd Haynes : En grande partie à cause de ces films dont on vient de parler. Ce genre de films, quand ils sont aussi merveilleusement faits comme ceux d’Alan J. Pakula dans les années 1970, sont des films vers lesquels je reviens constamment. Je les regarde encore et encore, même quand je fais des films très différents, dans des genres qui n’ont rien à voir. Il y a quelque chose dans ces histoires qui vous contamine. Ils sont aussi très intéressant vis-à-vis du temps, parce qu’ils racontent la découverte d’une histoire en temps réel, comme dans Les Hommes du Président. On connaît tous la fin de l’histoire. Quand le film est sorti, tout le monde connaissait la fin de l’histoire, la démission de Richard Nixon et le scandale du Watergate. Mais ce n’est pas grave, on ne regardait pas pour connaître la fin mais pour voir la manière dont le processus se déroulait. Et à chaque fois que l’on revoit ce film, on est replongé dans ce processus. Ce sont des films qui m’ont inspiré quand cette histoire s’est présentée à moi. Elle en avait tous les composants et vous laissait avec cette ambiguïté sur le monde : qu’il n’y a pas de solution simple à cette histoire compliquée, et qu’une simple victoire juridique n’était pas possible.

Avez-vous aussi le sentiment que c’est un peu votre responsabilité en tant que réalisateur américain d’aujourd’hui, de raconter cette histoire importante pour sensibiliser l’opinion publique ?

Todd Haynes : Oui et non. Les gens devraient être capables de raconter n’importe quelle histoire qu’ils aiment. Il y a différents types de public pour différents types de films. Tous mes films, à différents niveaux, s’interrogent sur la société et sur les individus au sein de la société.

Pour en revenir au film et à son message, un de vos personnages dit en gros que « c’est à nous de nous protéger, il ne faut pas attendre des agences ou des gouvernements de le faire à notre place ». Vous partagez cette idée ?

Todd Haynes : Vous faîtes référence à ce que dit le personnage de Rob à la fin du film. Rob est quelqu’un qui a toujours été un produit du système. À la base, c’est un avocat de la défense pour l’industrie chimique, et c’est seulement après qu’il ait changé de camp. Il a utilisé ses connaissances juridiques pour mener une campagne contre un produit chimique non-régulé, ce qui est très compliqué, presque impossible à faire. Il a trouvé une solution pour y arriver. Et pourtant, l’entreprise à l’origine du scandale va nier l’évidence et tout faire pour rendre le procès impossible… Et tout ça en distillant une forme de paranoïa, de peur et de souffrance sur tous ceux qui oseraient les défier. Personnellement, je crois que les gouvernements doivent jouer un rôle dans la manière dont nous régulons les industries. Mais on est allé tellement loin dans la dérégulation, avec des gouvernements prêts à satisfaire tous les besoins de l’industrie. Cela a commencé depuis l’administration Reagan aux États-Unis, et c’est devenu la norme. Les gens ne se rappellent plus vraiment que le gouvernement peut jouer un rôle. Cela dit, tous les mouvements pour la justice sociale commencent avec des citoyens. Donc bien sûr, il faut toujours un individu pour se lever, dire « assez » et devenir un exemple. Que ce soit un journaliste, un avocat ou simplement Rosa Parks dans un bus, qui a refusé de s’asseoir à l’arrière. Cela doit commencer avec une action individuelle.

Vous parlez de « paranoïa », de « peur ». Le titre du film « Dark Waters » sonne d’ailleurs comme un film d’horreur. Il y en a même un qui s’appelle Dark Water (d’Hideo Nakata). Bon, votre film n’est pas un film d’horreur, mais c’est quand même un thriller très effrayant…

Todd Haynes : Oui c’est effrayant, parce que tout est vrai et réel. Il ne s’agit pas de « faire croire ». Le film commence dans les années 1970. C’était l’excellente idée de Mario Correa (scénariste). On est dans cette eau noire (Dark water en anglais donc, ndlr) avec ces jeunes qui se baignent comme au début des Dents de la mer. Sauf qu’il n’y a pas de requin, le seul vrai requin, c’est l’eau. C’est nos pratiques qui constituent le danger, nous créons le danger. C’est une histoire qui avait besoin d’être racontée et qui avait en elle, toutes les composantes du genre. L’histoire de Rob qui panique dans le parking, je me suis dit « Super, je vais pouvoir glisser mon hommage aux Hommes du Président« . Mais c’est totalement réel, Rob Billot l’a vécu, il venait de prendre la déposition du PDG de DuPont à Wilmington dans le Delaware et il a téléphoné à sa mère. Elle lui a dit : « Rob, est-ce que quelqu’un sait que tu es là-bas ? ». Et il lui a répondu que non. Puis il est descendu au sous-sol du parking, sa voiture était la seule, il a mis sa clé dans le contact… Tout ça m’a été raconté par Rob lui-même. Les Hommes du Président était une histoire vraie aussi.

C’est Mark Ruffalo qui vous a apporté cette histoire. Il était déjà dans Spotlight, une autre histoire de lanceur d’alerte. Qu’est-ce qui selon vous le pousse à faire ce type de film ?

Todd Haynes : Il est devenu de plus en plus un activiste pour des causes sociales ou environnementales, comme les problèmes liés à l’eau. Il est contre la pratique de la fracturation hydraulique. Il a récemment annoncé qu’il comptait s’investir encore plus à l’avenir dans des projets portant ce genre de message. C’était vraiment un honneur de travailler avec lui. Mais au final, il était avant tout un acteur pour ce film (même s’il en est aussi le producteur – ndlr). Il s’est vraiment transformé physiquement pour ce rôle. Quand il joue Rob Billot, qui est si différent de lui dans sa manière d’être, avec cette posture et cet air un peu renfrogné… C’est tellement différent de Mark. Il l’a observé… Ce qui est drôle, c’est que pendant que Mark devenait Rob, Rob se sentait soulagé pour la première fois de sa vie. Jusque-là, il avait été si seul dans son combat pendant toutes ces années. Et puis le New-York Times est arrivé et a raconté son histoire. Il nous a dit à Mario et à moi : « Quand c’est arrivé, j’ai su qu’ils ne pouvaient plus me tuer ». Puis est arrivé le projet de film qui allait raconter toute cette histoire. Là, Rob a pu se redresser, sourire à nouveau. Pendant que Mark devenait comme Rob. Les deux ont échangé leurs places en quelque sorte.

Avez-vous l’impression qu’il vous est reconnaissant ?

Todd Haynes : Il est très reconnaissant. C’est une nouvelle ère dans la prise de conscience et pour la législation. Une loi a été votée par la Chambre des représentants. Il y a aussi une proposition de loi défendue par Bernie Sanders au Sénat. Elle ne passera pas car le Sénat est républicain, mais il y a une prise de conscience. Le film y contribue.

À propos de l’article du New York Times qui a révélé cette histoire. Est-ce que son auteur, Nathaniel Rich, a travaillé avec vous ?

Todd Haynes : Non, pas du tout. Il a effectivement écrit cette histoire qui a été ensuite adaptée. Mais jusqu’à l’avant-première du film à New-York, on ne s’était jamais rencontrés. Mais je connaissais son père, Frank Rich, qui est lui aussi journaliste pour le New-York Times et critique de théâtre. Un homme incroyable. C’est une famille d’écrivains talentueux. En tout cas, on a vraiment adapté l’histoire à notre façon, depuis l’article de Nathaniel en passant par la première version du scénario par Matthew Michael et jusqu’à la version finale de Mario Correa. C’était comme un passage de témoin, reformulant le point de vue et le langage du film à chaque fois.

Avez-vous changé vos habitudes dans votre vie depuis que vous avez fait ce film ? Est-ce que vous y pensez quand vous cuisinez ?

Todd Haynes : Je n’ai pas cuisiné depuis que j’ai fait le film, parce que je n’ai pas eu le temps ! Après l’avoir terminé, j’avais plein de projets qui m’attendaient et sur lesquels je travaille actuellement, comme un documentaire sur The Velvet Underground. C’était super de sauter directement sur un projet très diffèrent. Mais au fond, je savais déjà plus ou moins pour le Téflon qu’il y avait quelque chose de mauvais avec ça. Peut-être depuis le début des années 2000, quand c’est devenu public et que Barbara Walters en avait parlé dans son émission (sur ABC). Bien sûr, il y a encore des gens qui semblent ne pas savoir, ce que je trouve étonnant parce que je pensais que l’information avait bien circulé la première fois. Ça ne veut pas dire que DuPont a changé ses pratiques, ils continuent d’utiliser des produits chimiques comparables mais juste sous un autre nom. Ils manipulent les données pour tromper l’opinion publique, développent des produits similaires, le C-6 à la place du C-8 par exemple, qui d’après Rob est aussi nocif, voire pire.

À propos de DuPont justement, la compagnie incriminée dans le film qui produit le téflon, avez-vous été en contact avec eux avant ou après le film ?

Todd Haynes : Oui, nous sommes devenus de très bons amis, on s’appelle tout le temps ! (rires) Non, on n’a pas vraiment eu de nouvelles de leur part. Il y a juste eu un site internet assez bizarre qui est apparu quand le film est sorti aux États-Unis. C’était bizarre mais un peu inefficace, je dois dire. C’était un truc du genre « The Ohio Business Alliance » qui disait en gros que les gens d’Hollywood répandaient de fausses informations sur DuPont alors qu’ils avaient relancé l’économie en Ohio… Mais le site ne répondait jamais à aucun point abordé dans le film. C’était un peu léger. Je crois que, pour la plupart, les grandes sociétés comme ça savent être silencieuses quand il le faut. Elles ne veulent pas contribuer et entrer dans le débat pour ne pas attirer davantage l’attention sur un film comme le nôtre. Ils l’ont probablement vu arriver dès que l’article du New-York Times est sorti. C’était leur volonté de garder l’information secrète le plus longtemps possible. Et ils ont fait tout ce qu’ils ont pu pour détourner l’attention.

Que pensez-vous d’Erin Brockovich ? C’est un peu le même combat…

Todd Haynes : Oui c’est un combat similaire. D’ailleurs, mon chef opérateur Ed Lachman, a travaillé sur Erin Brockovich. C’est un super film, très bien fait, mais il avait une tonalité différente. À commencer par son personnage principal qui est unique, une femme pas ordinaire, sexy, exubérante, pleine de force. Rob Billot est l’antithèse de ça. Erin Brockovich vous laisse cette impression que le combat est gagné. Je ne crois pas que ce soit le cas avec Dark Waters, et c’est ce que j’aime dans cette histoire. Ça rappelle que le combat continue et que les choses sont entre nos mains désormais. On ne peut attendre après des « Erin Brockovich » pour venir régler nos problèmes.

 

Propos recueillis et traduits par Nicolas Rieux.

Merci à Todd Haynes, à l’agence Bubbling Bulb et à Le Pacte

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